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Introducción a la fotografía de moda con Rodrigo Adonis

En la fotografía, las modalidades de trabajo jamás quedan estáticas. Desde los cambios provocados por los avances tecnológicos, hasta las variaciones que se ocasionan por las tendencias del mercado; el mundo de las imágenes es uno que necesita de constante estudio. Por ello, en Fotodesign, ofrecemos la oportunidad de trabajar con profesionales activos en las distintas áreas quienes conocen de manera cercana el actual panorama tanto nacional como internacionalmente. El fotógrafo de moda, Rodrigo Adonis, será el encargado de introducir a los estudiantes que tienen interés por conocer más sobre la tercera industria más poderosa del mundo en la #EscuelaDeVerano de nuestra institución. 

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Hace un par de semanas, anunciamos nuestra nueva iniciativa que corresponde a una #EscuelaDeVerano en la que los interesados tendrán la posibilidad de aprender de las distintas especializaciones de la fotografía en los meses más calurosos del año. Dentro de los cursos que ofrecemos, se encuentra «Introducción a la Fotografía de Moda», que será dictado por el fotógrafo Rodrigo Adonis.

Rodrigo Adonis

Rodrigo Adonis

Rodrigo estudió arquitectura durante media década. Debido a su formación que también tenia relación con la composición y creatividad, el profesional decidió formarse de manera autodidacta por un par de años hasta realizar un taller en Fotografía Digital, y luego un diplomado en Retoque & Post Producción. Su pasión por las imágenes, que él define como un lenguaje a través del cual le es sencillo comunicarse, lo impulsó a la moda debido al escenario de fantasía que ésta genera. “Eran muy pocos los fotógrafos en ese tiempo que se interesaban en mostrar el diseño de autor en Chile. Yo tomé ese nicho y comencé a realizar diversos encargos con diseñadores nacionales, jóvenes y creativos. Creo que eso me ayudó a hacer visible de forma más inmediata mi trabajo fotográfico”, contó en una reciente entrevista a ModaCL.

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Actualmente, Rodrigo es conocido dentro del ambiente nacional gracias a los trabajos que realiza en fotografía editorial, catálogos & lookbooks, campañas, retratos, fotografía de beauty y fotografía publicitaria. Desde hace un tiempo, trabaja de manera permanente en BYC Comunicaciones.

En el curso que dictará Rodrigo, la teoría y la práctica se unirán para entregarles a los alumnos una introducción completa a la fotografía de moda. En el primer módulo, éstos podrán conocer sobre la historia de la fotografía de moda, luego aprenderán acerca de los conceptos básicos de fotografía digital e iluminación de estudio, para llegar hasta la fotografía editorial. El diseño & composición de una imagen, la dirección creativa y los aspectos técnicos para capturar un buen retrato, también serán parte del programa. A su vez, los reconocibles beauties, la conceptualización de ideas, los códigos de la fotografía publicitaria, y las maneras de abordar un encargo frente a un cliente, se presentan como los encargados de cerrar el módulo teórico.

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En consiguiente, y debido a que Fotodesign cuenta con su propio estudio, los alumnos tendrán la posibilidad de conocer un estudio de fotos, trabajar con equipos y realizar ejercicios con modelos, maquilladores y productores profesionales.

Introducción a la fotografía de moda comienza el 9 de enero de 19 a 22 hrs., y puedes informarte más en nuestro sitio.

Las fotografías más influyentes de la historia

La fotografía, sin duda alguna, existe para capturar momentos. A través de artilugios que, dependiendo del objetivo, cambian en su tamaño y funciones; se inmortaliza un instante que luego podrá volver a ser visitado apenas se tenga la imagen. A pesar de que muchos discuten que las fotos no poseen objetividad debido a que el sentido dependerá de aquel que esté tras la cámara, las fotografías marcan ocasiones y cuentan historias incluso a los individuos que no estuvieron presentes en el lugar. La prestigiosa revista TIME lanzó este año una selección de las 100 imágenes más influyentes de todos los tiempos. Luego de una exhaustiva investigación que tomó más de 3 años, los distintos curadores presentaron su trabajo en 100 Photos Time

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Nadie vio al hombre llegando a luna en 1969, pero en el inconsciente colectivo existe la imagen de Neil Armstrong en su traje blanco, dando las primeras pisadas en algo que era desconocido para el ser humano hasta ese momento. Edwin Aldrin fue el segundo en caminar por el espacio, y quien quedó inmortalizado por tomar las fotografías que ahora nuevas y viejas generaciones admiran como un momento que marcó un antes y un después en la historia del mundo. Increíble, ¿no? Porque el refrán «ver para creer» resulta más certero de lo que nos gustaría pensar. La revista TIME durante tres años, trabajó en una investigación que comenzó con la primera foto tomada en 1826. Curadores internacionales, historiadores, editores fotográficos y fotógrafos de todas partes, fueron invitados a elegir las 100 imágenes más influyentes.

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100 Photographs: The Most Influential Images of All Time es el nombre de la galería interactiva que puede conocerse en el link 100photos.time.com. Deporte, arte, historia moda y sociedad, se entrelazan en esta selección que no sólo se limitó a la recopilación de archivos, sino que también periodistas de la revista acudieron a los fotógrafos que habían realizado las capturas para generar relatos que contextualizaran la imagen. Incluso, historias de amigos y familiares de los protagonistas, pueden leerse en los pequeños ensayos que acompañan cada propuesta.

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«No hay una fórmula que haga que una imagen sea influyente. Algunas fotos están en nuestra lista porque fueron las primeras de su clase, otras porque moldearon la manera en la que pensamos. Y algunas pasaron la prueba porque cambiaron directamente la forma en que vivimos», manifestó la revista TIME, agregando que las imágenes que forman parte de la lista, fueron seleccionadas por actuar como «puntos de inflexión en nuestra experiencia humana».

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Desde la conocida imagen del marinero besando a una enfermera que simbolizó el fin de una guerra, hasta la selfie tomada en los Oscars del 2015, conforman la lista de TIME. La crudeza humana, en imágenes violentas e impactantes que muestran distintos conflictos mundiales, también son destacadas en las fotos más influyentes de la historia. El hombre del tanque de Tiananmen, la niña de Napalm, la ejecución de Saigón,la nube de hongos sobre Nagasaki, el niño acechado por un buitre momentos antes de morir de hambre, Adolfo Hitler, entre otras, proporcionan el toque amargo a una parte de nuestra historia que deseamos olvidar.

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En cuanto a la historia de Chile, la imagen de Salvador Allende minutos antes de morir, fue destacada también en el conteo. La primera imagen tomada por un celular, los Beatles teniendo una pelea de almohadas y tantas más, terminan la línea de tiempo que enmarca hasta el 2015.

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Fotografía en blanco y negro: el perfecto juego de la luz

En la fotografía, la luz es uno de los componentes más importantes para la construcción de imágenes con un sentido. Según muchos entendidos en la materia, la captura de fotos a través de un dispositivo es, finalmente, el juego perfecto entre la iluminación y las sombras que se diferencian por el estilo personal de cada profesional, y los fenómenos ópticos que la formarán. A principios del siglo XI, los rayos emitidos por el sol y reflejados por la luna, se oponían en una habitación oscura que llevaba el nombre de ‘Cámara Oscura’. Éstos fueron los comienzos de la fotografía, que luego se fueron perfeccionando con la aparición de técnicas y nuevas tecnologías. Actualmente, la fotografía en blanco y negro, es un tipo de imagen que renace para proponer el minimalismo de colores como una forma de expresar más con menos. 

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No fue hasta el año 1861 que el color en las fotografías apareció para convertirse en la nueva tendencia. Antiguamente, los enormes equipos que los profesionales debían llevar, sólo eran capaces de construir imágenes en las tonalidades que reflejan, y se ausentan de color. Los filmes, a su vez, eran también hechos en black & white, y aquello permitía que el espectador se concentrará en la forma y la composición de la imagen más que en los otros componentes que existían en el mismo cuadro.

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Para los expertos en las imágenes, la fotografía en blanco y negro ha cumplido su objetivo cuando toda la gama de grises (es decir desde el blanco más blanco hasta el negro más negro) se encuentran en la composición. Esta técnica llamadas «el sistema de zonas», fue propuesta por Ansel Adams, para luego ser llevada a cabo por cientos de profesionales quienes han decidido continuar con este tipo de fotos.

Generalmente logrado con la fotografía análoga, el blanco y negro ahora también forma parte de las opciones que las cámaras digitales traen, entregando así la elección al profesional (o amateur) de realizar una copia con estas características. A su vez, los programas de retoque, permiten ‘desaturar’ para alcanzar la emocionalidad y la elegancia que sólo el black and white puede proporcionar. Consecuentemente, el B/N es un técnica que no desaparece.

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Aldo Bressi, fotógrafo italiano y fundador de la escuela de FotoDesign, era un creativo quien manejaba muy bien esta técnica, y utilizaba del sistema zonal mencionado anteriormente para retratar imágenes que capturaban desde paisajes, hasta retratos y moda.

Ahora, y aunque parezca más sencillo, la fotografía en blanco y negro presenta ciertos desafíos debido a que los elementos para resaltar son menores. Pero a continuación en FotoDesign, entregamos tres consejos que podrían ayudar al fotógrafo o aficionado a las imágenes quien desee comenzar a experimentar con esta técnica.
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Mirar en blanco y negro

Sí, suena simple. Pero es más complicado de lo que pueda parecer. Acostumbrados a un mundo (generalmente) saturado de color, imaginar de manera correcta como el objeto a fotografiar en monocromo se verá, puede resultar complicado. Quizás en un comienzo, el fotógrafo debería probar con ambos tipos de técnica para ir aprendiendo  de los resultados.

Traducir el color a la escala de grises

Cada color tiene su equivalencia en la escala de grises. Por ello, el fotógrafo debe tener en cuenta toda la variedad de tonos que existen entre el blanco y negro puro. Esto ayudará a saber que zonas serán más claras o más oscuras no sólo teniendo en cuenta la luz, sino que la traducción del color a la escala.

Cuidar la composición

Al decidir despojar la imagen del color, se debe tener en cuenta que la atención se irá directamente hacia las formas y la disposición de éstas en el plano. Debido a esto, es fundamental elegir qué elementos se incluirán en las escenas y de qué manera se hará.

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Food Styling: contar la historia un plato a la vez

La técnica del food styling es un arte que ha comenzado a ganar cada vez más popularidad en nuestro país. Aquellos apetecibles platos que se observan casi todos los días en los feed de Instagram, llaman la atención del usuario y generan cierto apetito a pesar de que no es más que una imagen aquella que se ve. Efectivamente esto, es el objetivo de la especialidad fotográfica que también se puede aprender en FotoDesign: narrar una historia a través de sabores, colores y estética.

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Comenzó como un boom en las redes sociales: luego de la invención de Instagram, Facebook y otras plataformas de aquel estilo, las personas iniciaron a capturar imágenes de sus platos antes de probarlos. De a poco este fenómeno se fue masificando, y desde un tiempo hasta ahora, son pocos los días en los cuales navegamos sin encontrarnos con algún tipo de imagen llamada también “food porn” por los internautas. La fotografía gastronómica, utilizada hace mucho tiempo para promocionar platillos de restaurants, es una rama profesional de la fotografía que requiere de tanta preparación, dedicación y talento como cualquier otra.

unnamed-5 unnamed-1Aun cuando comer es un acto que apela directamente al gusto, es propicio destacar que intervienen otros sentidos al momento de optar por un plato. La primera impresión que se tendrá a través de la vista, por ejemplo, es increíblemente importante. Por ello, la predisposición que una imagen armónicamente estética genere, abrirá el apetito y también, instaurará las ganas por dar el primer bocado a la comida que se esté mostrando.

El food styling, que también está generando un gran impacto en Chile, consiste en usar una serie de técnicas que harán lucir la comida muy apetecible para seducir al futuro consumidor. Además de un extremo cuidado a los detalles, el fotógrafo también deberá ser rápido, y tener un sentido de la estética que lo ayude a evitar los excesos. Por ello, es fundamental tener conocimientos previos antes de aventurarse en un campo que cada vez exige más profesionales. Aunque la formación es importante para dedicarse a esto, existen algunos consejos que los fotógrafos quienes están comenzando pueden seguir:

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Prueba y error

El dicho popular que asegura que la práctica hace al maestro, no es precisamente una mentira. Mientras más fotografías se tomen, la técnica irá mejorando, y el fotógrafo será capaz de encontrar su propia narrativa.

La luz y el encuadre

Una fotografía tomada con luz natural, será mayormente atractiva que una capturada con flash. Además, la preocupación por el encuadre y la ubicación que tendrá cada elemento en la imagen, dictará finalmente el estilo de la foto.

Texturas

Al momento de jugar con las texturas en la fotografía, se creará una mayor impresión de realismo que abrirá aún más el apetito del usuario.

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Fotografías tomadas por alumnos de FotoDesign

Fotografía de producto y su importancia en la publicidad

«Lo ves, lo quieres»: a veces es tan sencillo como eso. Las imágenes de productos que apreciamos día a día — en ocasiones — ni siquiera piden permiso para entrar a las pantallas. Debido al gigantesco crecimiento del comercio online durante las últimas décadas, las estrategias de mercadotecnia han optado por apelar a nuestra apreciación visual para seducirnos a desear aquel objeto. La fotografía de producto, rama de la fotografía publicitaria, es uno de los cursos que ofrece nuestra escuela. A continuación, te explicamos de qué trata. 

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La fotografía de producto es una de las tantas especialidades que un profesional de las imágenes puede elegir para desarrollarse durante su carrera. Generalmente realizada en estudios y con una estética increíblemente limpia; ésta se encarga de retratar el objeto aislado por ofrecer de manera seductora y precisa.

fr-1 editorialA pesar de que muchas veces puede ser confundida con la fotografía publicitaria, la fotografía de producto es un campo mucho más específico que necesita de formación y técnicas diferentes que finalmente, ayudarán al profesional a cumplir con los objetivos del cliente. En el caso de la primera, generalmente se retrata el producto, pero con un contexto mucho más sofisticado que pretenderá contar una historia que responda al espíritu de la marca. Por su parte, la fotografía de producto, se encarga de enseñar de la manera más armoniosa posible el objeto en cuestión para cerrar el trato entre el receptor y la etiqueta, y además, incitar la compra.

Las fotografías de producto pertenecen normalmente a los catálogos o las plataformas en línea de venta.

3 observaciones a tener en cuenta al tomar una fotografía de producto
Colocación del producto

En primer lugar, es importante saber qué tipo de producto se retratará para preparar el lugar en el que se tomará la fotografía. Si éste se sostiene solo, una base plana será suficiente. Pero de lo contrario, el fotógrafo necesitará encontrar la manera de que el objeto se vea de la mejor manera posible aún cuando esté con un sistema de sujeción.

Material y color del producto

El proceso de encuadrar e iluminar es muy distinto cuando el objeto es brillante, o mate. Aunque la postproducción es una parte esencial del proceso en la fotografía de producto, el profesional no debe pensar en aquello al momento de tomar la cámara. Mientras mejor se vea el producto en la toma, menos dinero y tiempo se tendrá que gastar en retoque.

Las imágenes construyen la marca

En la fotografía de producto, no sólo se está retratando un objeto, sino que también se está hablando de la marca. En el caso específico del comercio electrónico, la primera percepción que el receptor se llevará del producto es esencial para entregarle su confianza a la empresa. Si la imagen es limpia, profesional y cuidada; es mucho más probable que el público objetivo adquiera el producto.

Fotografías tomadas por alumnos de Fotografía de Producto en FotoDesign

Martin Schoeller: cuando el arte y la fotografía se reúnen

En un mundo repleto de imágenes, su técnica se reconoce. Ya sea un retrato en la portada de la revista «Time»  o alguna sesión en «Vogue», las fotografías de Martin Schoeller hablan por sí solas desde un imaginario que él mismo ha creado. El fotógrafo nacido en Alemania el año 1948, no distingue celebridades de desconocidos. Su estilo destaca por capturar el lado más natural de las personas a través de una iluminación clara, con fondos y tonos similares que capturan el gesto exacto. 

schoeller_6 Martin Schoeller estudió fotografía en el instituto Lette Verein ubicado en Berlín. En el año 1993, viajó a Nueva York para asistir a la reconocida creativa Annie Leiboitz. Debido a su imaginación novedosa, un tono ligeramente irónico, y la reinvención de una técnica simple en sus retratos, en 1996 comenzó con su carrera independiente, llamando la inmediata atención de medios tales como «The New Yorker», «Time», «GQ», «Rolling Stone», «Esquire» y «Vogue». «Siempre me ha fascinado la idea de tomar retratos que permitan la comparación; el tratamiento de personas de diferentes ámbitos pero que son fotografiados con la misma técnica», señaló Martin en una entrevista publicada el 2009. De alguna forma, el creativo ha creado una plataforma democrática en sus fotografías, que no toman en cuenta el pasado del ser, sino que sólo el momento en el que se captura su imagen.

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Durante su carrera, Martin ha instalado la técnica del retrato close-up, que incluso lo llevó a publicar un libro en el que reúne los mejores que ha tomado hasta el momento. A pesar de que su trabajo consiste en retratar a celebridades o personas conocidas, Martin no se preocupa de que éstos salgan favorecidos. «Creo que a veces los fotógrafos no quieren esta intimidad. Es un reflejo, tal vez, de mi personalidad que me siento cómodao estando cerca de alguien. Siempre sentí que el primer plano centrado en el sujeto, era esencial para una fotografía. Pero nunca fue algo que planifiqué», señaló. Normalmente, Martin se mantiene a 1,5 metro de distancia de las personas a quienes deberá fotografiar. «No estoy tan cerca porque me aseguro de usar un lente bastante largo que no distorsionará el rostro».

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En relación a sus sesiones fotográficas para revistas o medios que requieren de una mayor producción, Martin Schoeller suele situar a los sujetos en irónicos e incluso, divertidos contextos, donde la silueta y la expresión de la persona es lo que más resalta. «En mi trabajo, trato de capturar esos momentos de intimidad luego de que el fotografiado sonríe. En la mayoría de las ocaciones, su cara no ha alcanzado la siguiente expresión. Para mí, esos son a menudo las imágenes que mejor siento», cuenta.

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Martin Schoeller, quien ahora es llamado por las mejores revistas del mundo, comenzó su carrera tomando retratos de sus amigos con la técnica de iluminación que ha ido cultivando durante su carrera. «No tomé retratos de nadie famoso en un principio. Familia, amigos, personas sin hogar, adictos al crack. Todo lo que fuese diferente», contó. Sin duda alguna, el célebre fotógrafo de los retratos, es un ejemplo respecto a como una técnica distinta y con identidad, puede alcanzar reconocimiento.

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Entrevista: Matías Troncoso y Juan Queirolo, fotógrafos de El Estudio

En FotoDesign, nos mantenemos al tanto de todo aquello que está sucediendo con la fotografía de moda y publicidad en el país. Por tanto, es importante para nosotros mantener el contacto con los profesionales quienes se están destacando por su creatividad y propuestas que aportan al imaginario fotográfico de Chile. En la segunda parte que registra nuestra visita a El Estudio, conversamos con Matías Troncoso y Juan Queirolo; ambos fotógrafos pertenecientes al lugar. En la íntima entrevista, los profesionales nos cuentan respecto a sus inicios, las dificultades que trae dedicarse al área creativa, sus referentes, entre otros detalles de sus carreras. 

Dirección creativa en las revistas de moda: La narración de las imágenes

Según un artículo publicado en el periódico británico, «The Guardian», el mundo que Grace Coddington ha creado durante su carrera es parte de la imaginería de la industria de la moda que más ha calado en el inconsciente colectivo. A través de distintas producciones que han adornado las páginas de Vogue; la antigua directora creativa de la edición estadounidense, supo dejar su huella basándose en un camino que iba más allá de lo estético; porque un director creativo dentro de un medio de comunicación, es aquel quien se encarga de evocar la belleza a través de las imágenes y los detalles que conformarán las páginas.

0112-vo-well75_141706887286En el mundo de la moda, la fotografía juega un papel primordial al ser la encargada de proyectar y promocionar las distintas propuestas de los diseñadores. En una industria en la que priva lo estético, la característica visual que entregan las imágenes, se transforma en el mejor aliado de las marcas a la hora de alcanzar a sus públicos objetivos. En una revista o medio de comunicación de moda; las editoriales y distintos detalles gráficos cumplen el mismo papel, siendo una parte fundamental de éstas. El director creativo, quien es el encargado de poner la narración visual en curso, lidera el equipo artístico encargándose de todos los pormenores que serán publicados.

Dentro de la industria; existe un sinfín de distintos tipos de directores creativos. Están aquellos que trabajan en las agencias de publicidad, otros en las grandes casas de moda, pero todos obran bajo el mismo parámetro: convertir de las imágenes y las gráficas en un elemento atractivo que seducirá al público objetivo.

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A pesar de que no existe una carrera exacta en la que se enseñará a ser un buen director creativo (excepto, algunos diplomados o cursos de posgrado), las personas quienes tengan una gran sensibilidad estética, además de una buena capacidad de liderazgo, pueden optar a esta rama como opción profesional. Muchos fotógrafos en el mundo ejercen actualmente como directores creativos, tanto de revistas de moda como agencias de publicidad. Debido a los conocimientos técnicos y visuales que adquieren durante el transcurso de su formación, las empresas suelen optar por los expertos en imágenes para encargarse del imaginario en los medios o instituciones que conforman la industria de la moda.

Grace Coddington; famosa por sus producciones de moda que parecían más bien obras de teatro, fue la cabeza creativa de Vogue durante 27 años. La británica de cabellera roja, quien fue la mano derecha de Anna Wintour y la gran heroína en el documental «The September Issue», representa de manera perfecta el perfil de un director creativo; quien además de encargarse de las grandes producciones de la revista como estilista, guiaba y dirigía el lado más artístico de «Vogue».

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#FotoDesign: Alumnos plasmaron sus ideas a través del maquillaje

La creatividad y la vanguardia forman parte de los valores institucionales de nuestra escuela de fotografía enfocada en publicidad y moda; FotoDesign. Por ello, los alumnos se enfrentan constantemente a nuevos desafíos que los impulsa a concebir ideas en las que aprenden de manera práctica, desenvolviéndose de la misma forma en la que harían en un entorno de trabajo profesional. El viernes 30 de septiembre, se llevó a cabo la actividad de finalización del módulo «Dirección de Maquillaje» para los participantes del curso de «Fotografía de Moda Avanzado».

foto-design2Sin duda alguna, la finalización del módulo «Dirección de Maquillaje» fue una de las jornadas más intensas en la historia de FotoDesign. Los 11 alumnos quienes forman parte del curso de «Fotografía de Moda Avanzado», realizaron una producción en la que cada uno contó con un modelo y un maquillador para plasmar su concepto.foto-design1foto-design3Carolina Jerez, maquilladora profesional quien ha realizado diversas producciones de moda para medios locales, dirigió la actividad en la que los alumnos trabajaron de la misma manera en que se acostumbra en editoriales. «La escuela está en constantes actividades prácticas, y uno de los objetivos es que los estudiantes tengan contacto con personas quienes se encuentran activas en la industria nacional. Nuestra idea para esta actividad fue que los alumnos desarrollaran un ejercicio personalizado, y obtuvieran un resultado lo más parecido a la idea que tenían en mente «, señala Luis Andrés Miranda, director de FotoDesign. Para Luis Rojas, alumno del curso, fue una experiencia enriquecedora. «También un poco caótica; éramos muchos en un espacio grande, y ese día se llenó cada rincón. Además de la expectación que la misma situación generaba; ver distintos maquilladores, modelos e ideas, fue muy entretenido. Básicamente, trató de poner en práctica lo que Carolina nos recalcaba en cada clase».

foto-design5foto-design4Es claro que las nuevas herramientas tecnológicas y la constante aparición de nuevas redes sociales, ha cambiado la forma en la cual nos acercamos a la fotografía de moda. Anteriormente, las producciones pertenecían únicamente a las revistas, y las personas interesadas en en éstas, debían comprar las distintas ediciones de papel couche para apreciarlas. Pero ahora, con un golpe en la pantalla, se presenta de inmediato un mundo a nuestros ojos; por ello, resulta fundamental que los alumnos de FotoDesign sepan reconocer y visualizar las últimas tendencias, apoyándose en los conocimientos académicos y técnicos que aprenden durante los 6 módulos del curso. ¿Tomar imágenes? Puede parecer sencillo. Pero, la fotografía de moda requiere de una base conceptual para lograr los objetivos de los que no sólo el fotógrafo participará. Existe, por supuesto, un equipo detrás de cada producción, y los clientes, las marcas y los medios de comunicación, también son una pieza fundamental dentro del engranaje.

El curso de fotografía de moda en FotoDesign contempla 6 módulos. El primero es, fotografía de moda, luego viene dirección de modelos, y dirección de maquillaje, que este año finalizó el 30 de Septiembre con la actividad mencionada. Próximamente, los alumnos del curso avanzado, aprenderán sobre estilismo, producción de moda, retoque y dirección de arte. foto-design10foto-design8

Entrevista: El Estudio, centro de fotografía publicitaria y de moda

Cuando el fotógrafo Matías Troncoso llevaba 5 años desempeñándose en el rubro, comenzó a notar ciertos problemas que existían en la jerarquía dentro de la producción de fotografías y material audiovisual para los clientes en el país. Con la idea de independizarse e iniciar con un nuevo modelo de negocios, Matías comenzó a trabajar junto a Andrés Poblete y Juan Quierolo en «El Estudio», una productora fotográfica que se encarga de generar contenido para sus clientes y simplifica el mercado del marketing y la publicidad. A continuación compartimos la primera parte de una íntima y exclusiva entrevista con Matías y Juan, en la que hablan respecto a la iniciativa.